'The immigrant' La clásica América de James Gray

James Gray firma su película más completa ,clásica y cubierta de mátices hasta la fecha.

Con un tono que nos recuerda conmovedoramente a producciones cómo el Padrino II o Érase una vez en América el director nos cuenta un melodrama con tintes épicos sobre la supervivencia de una inmigrante polaca (Marion Cotillard) en la América de los años 20.
El film está rodado con una exquisitez crepuscular regalando planos tremendamente dramáticos y a la vez de una belleza conmovedora que logran transmitir momentos de una honestidad cruel y cuánto menos emotiva en su fondo.
La producción está cuidada hasta el más mínimo detalle ayudando a los pequeños momentos en que el guión balancea su consistencia.No quiero decir otra cosa que,aún siendo una gran producción,la película prefiere sentirse íntima en sus formas y mágica en sus cinéfilos modales.
Ver llegar al personaje de Marion Cotillard en barco con la estatua de la Libertad de fondo cómo en  en El padrino II lo hizo Vito o ver a al personaje que interpreta Joaquin Phoenix vestido de la época con un clavel en la solapa paseando por el NewYork de los años 20 cuál Vito Corleone en sus mejores tiempos són planos hipnotizantemente bellos.
La actuación de Marion Cotillard recuerda a ésas actrices del mejor cine mudo que con un gesto o una mirada reflejaban su estado anímico,demostrando su afán por luchar y no desvanecer,el emotivo momento en el que descubre en sus adentros un sentimiento cómo es el perdón...una delicia verdaderamente disfrutable,logra que empaticemos con su personaje rápidamente.
Pero Joaquin Phoenix no se queda atrás,y construye un personaje tan dramático cómo enternecedor,esculpiendo la frustración y la dulzura en los arraigados matíces de un proxeneta sin principios pero con un corazón enorme.
Dos interpretaciones que al mezclarse en pantalla son pura poesía visual,dejando quizás algo más rezagado al personaje de Jeremy Renner el cuál cierra un trágico trío amoroso.
La banda sonora consigue recordar a ésas grandes partituras de compuso Ennio Morricone para Érase una vez en América y El Padrino dejando paso para el silencio en las escenas más duras y potentes actoralmente hablando.
El director es fiel a su cine y no regala la típica historia de superación y posterior felicidad,va más allá y en una memorable escena final deja rienda suelta a unas actuaciones desgarradoras para poner el broche de oro a una historia no apta para todos los públicos y me atrevería a afirmar que sólo gustará a aquellos que cómo yo echamos de menos ésta clase de cine que destila aroma a clásico.
Sin desmerecer la totalidad del metraje me quedo con el prólogo y el buen hacer de actores y director que han conseguido que una minoría nos reencontremos con ése cine olvidado que nos parecía tan trágico y precioso a la vez.

'Trance' el laberíntico noir de Boyle

Danny Boyle (Trainspotting,Sunshine) aborda su particular noir londinense actual de una manera tramposamente enrevesada y con una clase caracterizada por un estilo más que singular.

Las diferentes capas del grandilocuente guión te llevan de la mano por un laberíntico puzzle creado por un trío amoroso digno del mejor noir (James McAvoy,Rosario Dawson y Vincent Cassel) en el que nada es lo que parece desde el ángulo del espectador a simple vista.

Cuándo la mente humana es asediada y por consiguiente conquistada todo lo que tiene a su alrededor se derrumba y arrastra cualquier recuerdo vivido hasta el olvido más profundo,abriendo una infinidad de posibilidades para manipular la psique y poder acceder a caminos jamás recorridos por ningún supuesto pensamiento aislado en la habitación más oscura que la mente haya podido o querido olvidar.

El director pone en juego sobre el tablero clásicos del noir cómo son el empatizante perdedor,el asimétrico criminal y la femme fatale y les introduce en una historia sobre robos dónde será más fácil para el espectador medio perderse entre tantas posibilidades que suplicar un plano abierto o tal vez un respiro de un par de minutos para intentar encajar las piezas que tan bién utilizan los protagonistas para avanzar en la trama.

Y cuándo se cree que todo está atado,el truco ha sido descubierto y sólo se espera un desenlace adecuado el director sopla derrumbando por completo el castillo de naipes que el espectador ha ido construyendo durante todo el metraje para dar una vuelta de tuerca más a la trama y volver a dejar claro que nada es lo que parece a simple vista.

La puesta en escena roza lo delirantemente eficaz con una fotografía más que acertada y una música acorde con el gran rompecabezas que te regala Danny Boyle envuelto con lazo de thriller neo-noir.

Realmente el trato que se le adereza a recordar u olvidar es la clave para ordenar un desorden gratamente planificado por el director.

Destacar las actuaciones del trío protagonista que no dejan ni un matiz sin recalcar,relucen absorbentes subrayando esas adicciones que acotan según avanza el film dejando sus situaciones al desnudo para ir aclarando sus perfectos roles en éste laberinto mental.

Un grato visionado que te deja descolocado,aturdido y con una rara satisfacción que pese a tener sus errores logra aportar nuevos y brillantes detalles al género que pertenece.

Una invitación noir dónde lo mejor es relajarse y dejarse llevar por un triple mortal mentalmente divergente hecho película.

'Zodiac' autopsia de una críptica investigación

...Y ésa verdad es la singular y adquisitoria obsesión que logró atrapar a Robert Graysmith tras leer el primer mensaje cifrado en forma de carta que recibió el periódico dónde trabajaba,el San Francisco Chronicle.
Seis víctimas verdaderamente contrastadas,un asesino que nunca fué encontrado,varios sospechosos sin poder acusar por falta de pruebas dentro de un caso que a día de hoy sigue sin resolverse,y un dibujante(Graysmith) del San Francisco Chronicle que,gracias a su árdua y obesionada investigación,fué quién consiguió acercarse más a ésa figura sin identificar apodada cómo 'Zodiac' (El asesino del zodiaco).
David Fincher y el guionista James Vanderbilt consiguen dosificar durante 158 minutos una asfixiante tensión sin concesiones,logrando ahogar al espectador en una atmósfera enrarecidamente atrayente aportando paralelamente una mirada al San Francisco de finales de los 60' y principios de los 70' intrigantemente veraz.
Un Fincher sosegado,vestido para la ocasión con sobriedad y corrección en sus formas logra con éste film lo que no pocos directores anhelan,hipnotizar.

Las escenas nocturnas grabadas con cámaras digitales llevan impreso un magnetismo tan grande que parece impropio del cine de hoy en dia.
Si en 'Seven' la lluvia trabaja cómo una pincelada con vida própia en ésa oscura y tétrica ambientación que tan bién funcionaba en la puesta en escena,aquí lo son ésas noches enrarecidas de San Francisco que se iluminan con tan sólo la luz de tono amarillento que aportan las distanciadas farolas que asolan las calles.
Pero David Fincher no se conforma con dotar el film de una gran ambientación,va más allá y consigue movimientos de cámara verdaderamente asombrosos y dignos de mención propia cómo pueden ser los 'travelings' sobre la ciudad,toda una delicia para la vista.
El director consigue que la puesta en escena sean tan realista cómo atrayente,intercalando efectos especiales casi indetectables para el espectador medio,fusionándose con la trama a la perfección,todo un manjar que se deshace lentamente en tu retina,dándole una satisfacción dificilmente alcanzable para el cinéfilo que convive dentro de todos nosotros.

A destacar también el efecto conseguido tras golpear duro en nuestra aprensividad tras visionar los asesinatos perpetrados por 'Zodiac',los cuales son tan fríos y estériles que te clavan a la butaca dejando que el escalofrío más aturdidor revele el tempo a seguir por tu pulso cardiáco.(Véase el apuñalamiento del asesino del zodiaco a una pareja a las afueras.Sin tener que recurrir a la casquería,se presenta cuánto menos escalofriante).
Mucha gente tilda el film de lento,largo y exasperante,pero la gente(entre los que me incluyo) que consiguen dejarse atrapar por tan fascinante caso sin resolver,la adjetivamos cómo auténtica,densa y absorbente.

Y parte de ése efecto lo logra el acertado casting,un Jake Gyllenhaal cómo el dibujante del San Francisco Chronicle que transmite ésa tensión y obsesionamiento a la perfección,llegando a dónde la policía no consiguió ni acercarse,un Robert Downey Jr. genial como el periodista del mismo periódico que ayudó en la investigación a Graysmith y Mark Ruffalo dando vida al frustrado policía que interactuó con ellos en el caso y que no consiguió atrapar jamás al asesino.Mención aparte para la mayoría de secundarios porque están notables en sus distintos roles.

Gracias al buen guión se muestra muy bien cómo la investigación y posterior obsesión hace mella en todos y cada uno del trío protagonista dando un buen empaque al producto final.La gran veracidad con la que se tratan los hechos también es un punto a favor de los realizadores y actores para ganarse el respeto del espectador.

De hecho hay una escena en la que el policía interpretado por Ruffalo sale del cine dónde estaba viendo la recién estrenada por aquella época 'Harry el Sucio',película que se basó en el asesino del Zodiaco para dar vida al personaje llamado 'Scorpio' otro asesino psicópata que además,compartirian escenario,la ciudad de San Francisco.

En la mencionada escena se subraya la frustración que sufrió la policía en aquellos años por no haber atrapado a 'Zodiac'y que encima tuvieron que soportar dicha película basada en él.

Para terminar sólo me queda añadir una anécdota que me llamó la atención sobre el grado de veracidad que David Fincher quiso alcanzar en éste film.

Hizo que los 'bocadillos' que se comía el policía interpretado por Ruffalo fueran sin tomate ya que el verdadero policía tenía ulcera y acidez de estómago.

Todo al milímetro.

Sin duda,altamente recomendada.

'Un dios salvaje' Puro teatro,y del bueno

Puedo anticipar que estamos ante una obra cumbre de la comedia y el humor negro contando tan sólo con cuatro actores,tres paredes y un Roman Polanski que demuestra una vez más que rodar en espacios cerrados lo tiene por la mano.

La historia está basada en la obra de teatro homónima de Yasmina Reza y cuenta cómo dos matrimonios se reúnen para aclarar una pequeña pelea que han tenido sus hijos en el parque.

Polanski saca el espejo para que la sociedad se vea reflejada en cualquiera de los cuatro padres,aparentando cordura o diplomacia ante situaciones que se sugieren desagradables apaciguadas con nuestras sonrisas hipócritas en un principio,cuándo lo que en realidad se cuece en nuestro interior es la ira más salvaje contenida a regañadientes por nuestro yo más primitivo.

Un 'autocontrol' que les durará cúanto menos 10 minutos a nuestros protagonistas ya que unos cuántos adjetivos malintencionadamente maquillados que se esconden entre buenas palabras y frases de una educación exquisitamente expuesta sobre la conversación abrirán las puertas a una guerra encubierta sin cuartel.

La ironía se hace dueña y señora de toda la casa,dando las bofetadas con más clase que he visto en mucho tiempo.

La barrera psicológica impuesta por la mente humana para evitar males mayores acabará siendo minada y cualquier plan preparado en un principio se derrumba por completo tras recibir fuego cruzado compuesto de incisivas frases llenas del mejor cinismo.

Retiradas encubiertas o tal vez el ofrecimiento de una 'amigable' copa tratan de quitar hierro al asunto pero se masca que no son más que pequeños contraataques comandados por la hipocresía más atrayente y pegadiza.

Destacar las interpretaciones de sus cuatro protagonistas( Christoph Waltz y Jodie Foster están verdaderamente geniales,John C.Reilly y Kate Winslet lo bordan) y dar gracias al guión por poner unas frases tan buenas a su disposición,toda una delicia en estado puro.

Si la ironía y la hipocresía es música para tus oídos pasarás un rato más que agradable viendo ésta obra de teatro adaptada al cine,por mi parte sólo me queda recomendarla encarecidamente recalcando que éste gran film se me hizo muy corto.

Resumiendo,una comedia simple en sus formas y grandiosa en su ejecución.

'El diablo sobre ruedas' la particular 'road movie' de Steven Spielberg

Todos sabemos quién es el 'rey midas' de la industria del cine y lo que ha llegado a conseguir cinematográficamente hablando,pero sabemos cuál fue su debut en el mundo cinéfilo? 

Carreteras asfaltadas con miedo y tensión bajo paisajes desérticos y restaurantes de carretera,el telón de fondo de un viaje hacia la simple supervivencia.

Un Steven Spielberg desconocido nos trae una película para televisión cómo ópera prima con un mínimo presupuesto y un buen pulso narrativo con su dosis exacta de dinamismo a la hora de filmar.

La historia gira entorno a un maníaco  camionero que se ensañará al azar con un indefenso conductor dándole caza por carreteras desérticas utilizando el miedo  cómo su baza más intimidatoria y su viejo camión cómo arma homicida.

Hora y media de sufrimiento medido al mílimetro para someter al espectador a una trama tan simple cómo aterradora.

La simple premisa se plantea a la perfección porque insinua de la manera más sutil que una situación así puede darse en el día a día de cualquier persona,dando rienda suelta a uno de los miedos más arraigados que puede sufrir cualquier conductor,logrando así que te identifiques y te metas en el papel del protagonista.

Spielberg introduce la sugestión en su cine,transporte perfecto para focalizar el miedo cómo después haría con Tiburón.

El no mostrar nunca la figura del conductor sólo mostrando sus botas o sus manos es todo un acierto,ya que dota de más angustia la trama y da más personalidad y protagonismo a ése viejo camión de aspecto amenazador cuánto menos en esencia.

Una de las escenas con más tensión en éste telefilm es cuándo el protagonista tras salir despedido de la carretera derrapando y golpeándose posteriormente contra unas vallas entra en un restaurante de carretera que hay justo enfrente para tranquilizarse,analizar la situación y intentar comer algo si los nervios se lo permiten.

La tensión comienza a subir cuándo echa un vistazo por la ventana y ve aparcado el viejo camión que lo a echado minutos antes de la carretera.

Su paranoia se adueña de él sabiendo que el conductor puede éstar en el restaurante vigilándolo.

La resolución del climax es bastante simplona para mi y pienso que Spielberg no supo cerrar como merecia ése viaje pesadillesco,pero es más que perdonable.

Me quedo con todo lo demás que acontece en ése brutal acoso por carreteras abrasadas por un sol desconcertante en un estado cualquiera de Estados Unidos.

Cómo mera anécdota Spielberg la grabó en tan sólo 13 días,usando múltiples cámaras y varios montadores para cumplir con él plazo que el estudio le dió.

Un joven director novel que quiso despuntar en la industria del cine y vaya si lo consiguió.

'Asesinato en 8mm' una rareza digna en su género

Y digo rareza porque hay que remontarse hasta 1999 para ver a Nicolas Cage en un papel tan serio,tenaz y sin estridencias,ver al guionista de 'Seven' volver ha hacernos estremecer o,en menor medida,ver a Joel Schumacher dirigiendo una película en condiciones.

Cerrando mi particular prólogo he de decir que 'Asesinato en 8mm' coquetea con el diablo mientras nos mira a la cara.

Una historia sobre adolescentes de cara bonita que quieren llegar a lo más alto en la industria del cine quedándose por desgracia muchos escalones por debajo de dicho sueño en un particular infierno del que,cómo cualquier círculo vicioso,es prácticamente imposible salir.

El personaje de Cage es contratado por una viuda adinerada para arrojar luz sobre una 'Snuff movie' que tenía en su poder su difunto marido.

En el transcurso de ése aterrador viaje Tom Welles(Cage) cruzará sus propios límites tras conocer la repugnante verdad  que impregna ese sub-mundo.

Lanzo una pregunta al aire,quién podría mantenerse cuerdo y mantener su rabia a raya cuándo escuchas dantescas noticias cómo la que cuentan en el film casi a diario?

Punto a favor el poder indentificarse con el protagonista.

Es de agradecer que muestren con meros detalles cómo le afecta todo lo ocurrido al personaje de Cage,tales cómo el volver a fumar o el abrazo a su bebé.

El film gracias a su guión se mueve cómo pez en el agua en la sordidez del mundo de la pornografía y las 'Snuff movies',manteniendo la tensión y la sobriedad durante todo el metraje.

Una suerte de tener en el reparto a James Gandolfini o a un jovencísimo Joaquin Phoenix dando vida al personaje de Max California,un dependiente en una tienda de porno que ayudará a Tom Welles en su investigación adentrándolo en un mundo sin regreso en el que yace lo peor del ser humano.

Se agradece una ambientación sombría para contar ésta macabra 'verdad' escondida tras la cara más amable del cine que sigue ocurriendo en la vida real hoy en día.

Destacar que logra que tu inquietud no desaparezca tras su clímax,algo a tener en cuenta en películas así.

No todo es bueno,ya que cuenta con varios clichés del cine de hollywood pero que no ensucian ni enturbian para nada el resultado final.

'Asesinato en 8mm' puede considerarse,y siempre desde la distancia,la hermana pequeña que 'Seven' nunca tuvo.

'El ente' un film que sigue aterrando hoy en día

Hace poco revisioné 'El ente' una película que trata sobre una entidad maligna que aterra y abusa sexualmente de una mujer presuntamente al azar,una premisa muy bien llevada a la pantalla contando que está basada en hechos reales.

Película hecha en 1982,que usa un terror más psicológico de lo que nos tenía acostumbrado aquella época(véase La Cosa de john Carpenter),un guión que en ningún momento se hace pesado y,pese a las limitaciones de aquellos años,se puede visionar a día de hoy sin pasar vergüenza ajena.No deja de tratarse de un ejercicio más que digno dentro del campo del terror.

La mayoría de los efectos especiales en los continuados abusos que sufre Carla son acojanantemente buenos( menos algunos hacia el final del film que cantan bastante)teniendo en cuenta los años que tiene el film..a destacar cómo gran ejemplo de los buenos FX del film es el magreo de los pechos que sufre la protagonista por el 'ente',el efecto logra no chirriar para nada,es más,parece totalmente creíble,y eso logra meterte aún más en la película,también he de decir que la interpretación de Barbara Hershey acompaña a la perfección y ayuda bastante a la credibilidad de dichos efectos,ella solita logra transmitir  ése malestar y ése pánico al ataque de algo desconocido,sin duda un gran acierto de casting.

Al ser un suceso a priori inexplicable el largometraje tiene su fase psicológica dónde psicólogos y parapsicólogos intentan esclarecer el asunto,cada uno a su manera,inmiscuyéndose en la psique de Carla para ver si todo es fruto de su imaginación o no,un tramo muy disfrutable para el espectador ya que logra enfrentar a dos ramas de la medicina en un caso único en sus formas,verdaderamente interesante.

Otra cosa que debería destacar es la música insana y machacona que acompaña a cada ataque del 'ente'.

Logra arrebatarte tu tranquilidad y colocarte en un estado de tensión y posteriormente en un estado de shock,porque verdaderamente la actriz que interpreta al personaje de Carla Morán transmite un sufrimiento insano durante y después de cada violación.

Los detalles de los moratones en sus partes genitales y en sitios dónde ella jamás llegaría a hacércelos són totalmente escalofriantes.

Ella describe a su atacante cómo un hombre fornido y muy fuerte,pero creo que a mi parecer el no mostrarlo en pantalla logra que nuestra sugestión del miedo sea mayor durante todo el metraje.

Un film que logrará que mires alrededor de la habitación antes de irte a dormir,algo muy destaclable para un film con la friolera de 31 años a sus espaldas.

'Match Point' el gran revés de Woody Allen

.....Y vi la luz.

Yo,que nunca fui fan aférrimo del sr. Allen ni de su cine,con ésta película me dejó exhausto,anonadado,perplejo y cuánto más sorprendido.
Titubeas y sufres con cada vacilante paso del protagonista,no logras ver nada claro,esnifas tragedia y escupes miedo,todo mezclado y agitado dentro de una memorable reflexión sobre el azar que logra dejarte el shock justo antes de terminar la película.
La historia sigue a un irlandés(Rhis Meyers) que intentará prosperar por todos los medios combiando,la obsesión que sufre por Nola(Scarlett Johansson),el estatus de un engañoso matrimonio y la maldita suerte que acecha su presencia,todo en un Londres diferente,atractivo en sus formas,impactante en sus paisajes.
Él podría definirlo cómo sobrio,elegante y serio,ella es sexy,intrigante y apasionada..cómo podréis deducir de aquí no puede salir nada bueno.
La forma de narrar el film es sublime,por que marca una línea en el terreno dejando entreveer que va a ser un viaje contenido desde el principio,pero que hará saltar la chispa en el momento exacto.
Y después no hay marcha atrás,seguirás al personaje protagonista hasta sus últimas consecuencias,sufriendo con él hombro con hombro.
Todo ésto que detallo es un gran logro de Woody Allen,el creerte a los personajes desde el minuto 1 pese a presentarse la trama cómo una historia banal mecida en la mismísima Jet set londinense que se le escaparía de las manos a cualquiera que lograra identificarse con el personaje de Meyers.
La cámara regala giros sobrios,medidos hasta el último milímetro para que rezumen autenticidad por los cuatro costados,resumiendo,una gozada de dirección y lo digo desde el otro lado de la red,nunca jugué a favor de Woody Allen pero aquí logra vapulearme y llevarme por dónde quiere,sin alardeos ni prepotencia,sólo con la constante del buen hacer sobre un drama esculpido por la obsesión con mayúsculas.
El infiel,el engañado y el tercero en discordia,tres personalidades convertido en personajes en éste film que llamarán a tu puerta para que les dejes entrar,y una vez dentro lograrán rescatar tu atención para centrarla en un torbellino de lujúria sensualizada interpretada a la perfección por Scarlett Johansson,uno de sus mejores personajes a mi parecer,lo hace suyo de una manera muy natural y eso se percibe a la perfección.
Éste triángulo amoroso se para cinematográficamente hablando en cada palabra para analizar los pros y los contras en éstas tres posiciones angulares,amén de un guión que se toma su tiempo para ello.
La música que acompaña cada escena es deliciosa,un gran acierto.
Intensa cómo pocas,rebosa ingenio y esplendorosidad.
A destacar la reflexión final,puro cine,la guinda del pastel sin lugar a dudas.
Si no la has visto ya tardas en regalarle un visionado,no te defraudará,y recuerda que te lo dice alguien que nunca le gustó el cine de Woody Allen.

'La extraña que hay en ti' Todos llevamos un Charles Bronson dentro

 Y cómo bien dice el título de éste post,todos llevamos un 'Charles Bronson' muy adentro,escondido y agazapado en lo más profundo de nuestro ser,esperando pacientemente a ser despertado.

Tras éstas apreciaciones las preguntas correctas que deberíamos hacernos son: Cuándo y de que manera saldrá a la superficie el 'extraño' que llevamos dentro?

Si te sientes identificado con las palabras que han mecido y salpicado mi prólogo entonces te sentirás identificado con el personaje de Jodie Foster en éste gran film sobre justicieros urbanos dirigida por Neil Jordan.

Por que de eso se trata,de identificarse con el miedo y la paranoia que comienza a sufrir una locutora de radio neoyorkina tras recibir una estremecedora paliza mientras ve cómo acaban con la vida de su novio.

Neil Jordan realiza un film con nervio,pausado en sus formas y,cómo el disparo a bocajarro más sórdido,en su climax.

Quizás tenga sus convencionalismos ya que es una historia mil veces contada,pero dónde radica la adicción de ésta película es en la esencia del justiciero más vengativo,tenaz y letal (la mayoría de las veces interpretado por hombres,todo un acierto contar ésta vez con un personaje femenino)y ahí es dónde logra diferenciarse de cualquier banalidad o mediocridad.

Una Jodie Foster en el mejor momento de madurez personal y profesional acaba logrando transmitir ése miedo paranoico que recorre cada centímetro de su cuerpo para convertirlo conforme avanza el metraje en una extraña valentía cegada por la venganza que clama su alma con los gritos más ahogados que pueda sentir un corazón chamuscado por el odio.

Una oda a la imperfección del ser humano frente a sentimientos que mutan ante un golpe en seco que hace mella tanto física como psicológicamente.

A decir verdad se siente placer al verla,un alivio de ver cómo se cumple la ley del ojo por ojo ejecutada por alguien de a pie como puede ser cualquiera de nosotros.

Éste deseo se remonta a los primeras películas filmadas y que se a cumplido la mayoría de las veces en el cine,siendo el villano de turno ajusticiado y asesinado antes que ser juzgado y encarcelado.

Moraleja? nuestro deseo más primitivo siempre estuvo ahí.

Y en ésta película Neil Jordan y la gran Jodie Foster dan rienda suelta a su 'Charles Bronson' particular,que bajo mi criterio,les ha salido redonda la jugada.

Encantado que de vez en cuándo salga el 'Bronsonismo' a relucir y salpique de realismo al cine más conservador.

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Big bad wolves,una joya israelí con filtro Tarantinesco

Anoche vi éste film israelí amparado por las palabras de Tarantino.

Para él,'la mejor película del año' y he de decir que si no es la mejor poco le ha faltado.

Una historia sobre la venganza que llevará a cabo un padre cuya hija es secuestrada,violada y decapitada por un sádico pedófilo.

Pero no esperéis un drama o un thriller  en toda regla,más bien es una historia de cine negro al mejor estilo de los Coen o Tarantino.

Tanto la dirección como la producción són muy buenas,tanto que el film parece hecho en el mismísimo Hollywood.

Mención aparte necesitan los actores que hacen de sus papeles excelentes actuaciones que ya querrían más de un actor hollywoodiense.

La cinta tiene ése humor negro que tanto gusta en las películas de Tarantino,no siendo ésta la única similitud,ya que las conversaciones son también tremendamente amenas y entretenidas,un sello ineludible del mejor Tarantino.

Amén de un buen guión,que pese a una historia mil veces contada,logra hacerla suya y diferente,salpicado con toques de humor negro bien repartidos a lo largo de toda la película,siendo los suficientes para que el film no se convierta en otra comedia más al uso,y si a todo ésto le añades sorpresa final,sólo puedo decir una cosa,sin ser una obra maestra me ha encantado.Faltan películas así hoy en día que te dejen tan buen sabor de boca,una gozada vamos.

Pocos escenarios,pero bien escogidos para que la historía sea más que creíble,los personajes logran que no pierdas ni un ápice de ganas de ver cómo acaba todo ésto,está todo genialmente hilvanado con algún giro muy bien jugado y sobretodo el ritmo del film no se hace lento en ningún momento.

Si os estáis preguntando si hay demasiada violencia,pues si que la hay cómo es normal en éste tipo de cintas,eso si,en su justa medida.

Otro punto a su favor es el gran doblaje que lleva,la he visto doblada al castellano y he de confesar que las voces escogidas són perfectas,no parece un telefilm ni mucho menos,un doblaje digno del mejor cine.

Y cómo el mejor de los cuentos tiene su moraleja:

Quién es el lobo más peligroso,él que demuestra su fiereza a todos los efectos o el que permanece agazapado esperando su momento con piel de cordero?

El neo-noir de los 60's, la madre del thriller actual

Si hay un género que siempre me llamó la atención es el neo-noir.
Para entender el significado de éste sugerente e idílico género tenemos que remontarnos al noir clásico.(cine negro)
Ése tipo de cine en el que había una femme fatale,corrupción,bebida,gente perdedora y antihéroes,todo mezclado en una ambiente enrarecido.
Dicen que con Sed de mal de Orson Welles murió el noir,dejando un gran vacío y abriendo las puertas a éste gen sub-género llamado Neo-noir.
Por consecuente,el Neo-noir se compone de ésas mismas piezas trasladadas a nuestros tiempos.

Entre los 60' y los 70' hubo una serie de directores que llegaron a hollywood con ganas de comerse el mundo y ponerlo todo patas arriba,John Boorman,Peter Yates,Roman Polanski y Don Siegel fueron los que más despuntaron dirigiendo películas que darían mucho juego en éste sub-género llamado neo-noir.
Está más que claro que el neo-noir de los 60's se ha convertido en un referente más que clásico para el thriller que nos ha invadido desde entonces.
Películas cómo Pulp fiction o Reservoir dogs o la mismísima Sospechosos habituales beben de ésas joyas sesenteras.
A mi parecer 'A quemarropa' dirigida por John Boorman y protagonizada por Lee Marvin es una de las percutoras de ése sicodélico viaje a un mundo plagado de perdedores,antihéroes con deseos de venganza en turbios ambientes y la femme fatale de turno,dónde la violencia entró con fuerza en ese tipo de cine,dándole una nueva vuelta de tuerca estilizando dicha violencia.

He de recomendar también 'El código del hampa',una película que se grabó para televisión y que hoy en día se a convertido en una 'cult movie' del neo-noir.
Matones trajeados de negro con gafas de sol que mantienen conversaciones de lo más dicharacheras durante su trabajo,a quién no recuerda a las ya mencionadas Pulp fiction y Reservoir dogs?
Tarantino vio las bases para asentar su cine en éste tipo de películas.

Destacar al mismísimo Ronald Reagan en el papel de gangster y un Lee Marvin rudo y duro cómo pocos,dirigió el citado Don Siegel.
La carga sexual cómo novedad marcan junto a las crisis de identidad y el tormento de sus protagonistas en una de sus grandes cartas de presentación del género frente al noir más clásico,haciendo un salto más que evidente en su evolución.

Una seña de identidad que acuña el neo-noir moderno digno heredero del neo-noir de los 60's es el gran ensamblamiento que se produce al juntar dicho género con otros géneros como pueden ser el western,o sin ir más lejos,la ciencia-ficción.(veáse Blade Runner) 

Bullitt fue un gran ejemplo de la época de cómo el noir se fusionó con el thriller.
Digna de ver,sin lugar a dudas.
Otra joyita que aún no he emncionado es Chinatown de Polanski,con un Jack Nicholson perfecto,sin estridencias en su papel de investigador privado.
Un gran guión con buenos giros que respira y bebe del mejor noir clásico.
Todo un sub-género para revisionar y darte cuenta de que ciertos directores de los noventa no inventaron nada,todo estuvo ahí mucho antes.